Эль Лисицкий, «Планетный супрематизм (проун)», 1919–1920.
Кубофутуристы, супрематисты, конструктивисты, лучисты, абстракционисты — так в первой четверти XX века называли себя те, кого сегодня весь мир знает как «русских авангардистов». Художники, изменившие мир и направление развития искусства, открывшие зрителю неведомые до них измерения и чувства, имевшие смелость манифестировать свои идеи, витавшие в открытом дореволюционном мире не только в России.
Казимир Малевич, «Красный дом», 1932.
ОТ СИМВОЛИЗМА К СЕЗАННИЗМУ
Историю возникновения авангарда в России сегодня принято отсчитывать с 1907 года, времени рождения московского объединения «Голубая роза».
Именно в этом романтизированном мире художников-символистов вспыхивали то тут, то там первые искры художественного бунта, подпитанные впечатлениями от импрессионизма.
Их единственную выставку хвалил Казимир Малевич, только-только приехавший покорять столицу.
А покровителем и спонсором мартовской экспозиции выступил Николай Рябушинский, меценат, вдохновленный опытом Сергея Дягилева, годом ранее запустивший эстетский журнал «Золотое руно», уже ставший легендой.
Издание, бывшее сначала витриной для художников круга «Мира искусства» и символистов вроде Врубеля и Борисова-Мусатова, затем сыграло большую роль как в продвижении французских модернистов, так и в популяризации идей русских авангардистов.
Зинаида Серебрякова, «Беление холста», 1917.
Успех «Голубой розы» сподвиг Рябушинского на организацию собственных выставок — салонов «Золотого руна», которые, вероятно, можно считать и одними из первых в России маркетинговых акций XX века, продвигавших и журнал, и новое искусство, близкое сердцу его основателя. И первая из них с небывалым размахом открылась уже в 1908 году. Ее идеей было объединение французских и русских модернистов, которых тогда еще толком не знали даже на их родине.
Среди французских участников были Гоген и Сезанн, Матисс и Дени; среди русских, например, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов. Масштаб вызвал восторг современников, но само искусство почти никого не тронуло.
Критик газеты «Московский листок» тогда писал: «Если это новое искусство, если это есть необходимый этап в истории эволюции искусства вообще, то будем надеяться, что этот этап близится к концу, что это переходная ступень, своего рода болезнь».
Любовь Попова, Artistic Architectonics, 1916.
Третья выставка Салона в конце 1909-го и вовсе была составлена только из русских художников.
В ряды экспонентов влились Илья Машков, Петр Кончаловский, Роберт Фальк и многие другие авторы, черпавшие любовь к краске и цвету у французов, которых к тому времени уже достаточно собралось у великих коллекционеров Щукина и Морозова, державших свои дома открытыми.
Эта выставка для Рябушинского стала последней (финансовые трудности не позволяли продолжать работу), а для участников практически новым рубежом: год спустя они станут — вместе с Кандинским и Малевичем — форвардами нового художественного объединения «Бубновый валет».
Иван Пуни, «Променад в солнечном свете», 1912.
ОТ КУБИЗМА К БЕСПРЕДМЕТНОСТИ
В декабре 1910 года в Москве открылась выставка с провокационным названием «Бубновый валет», где в духе времени были намеки на «каторжников» и «мошенников», а попросту говоря — шутливо-игривый посыл к «другому» искусству.
К тому, что должно было ломать реалистические каноны, удивлять публику и бороться с мещанским вкусом. «Мне скучно, меня угнетает все то, что утвердилось в искусстве.
Я чувствую в этом дыхание застоя, и оно меня душит… Хочется убежать из стен в безграничный простор, хочется чувствовать себя в постоянном движении», — говорил тогда в одном из выступлений Михаил Ларионов.
Эль Лисицкий, «Супрематический сказ про два квадрата в 6 постройках», 1922.
И шок последовал: наряду с яркими, размытыми, будто призрачными объектами на полотнах бунтарей, оммажам Сезанну и Ван Донгену на выставке ярко проявилась страсть авангардистов к иконописи, народному искусству, лубку и вывескам — совсем так же, как у их французских коллег, искавших вдохновение в примитивном искусстве бывших африканских колоний. Здесь же появились и первые отсылки к кубизму, абстракции и итальянскому футуризму, постулаты которого с восторгом были приняты авангардистами. Манифест футуризма и кубистические работы Пикассо, Брака и других художников стали движущей силой появления их русского микса — кубофутуризма.
Илья Машков, «Автопортрет и портрет Петра Кончаловского», 1910.
В дальнейшей хронологии история русского авангарда становится похожа на большой муравейник с невероятным количеством художников и групп, развивавших собственные направления, манифестирующих порой радикально противоположные идеи, объединенные лишь желанием выйти за границы искусства. И именно 1910-е годы стали для развития авангарда самыми насыщенными, бурлящими и плодотворными.
Казимир Малевич, «Супрематический чайный сервиз», 1918.
Василий Кандинский, метавшийся между Россией и Германией, написал тогда свою первую абстракцию, а в 1912-м уже выпустил собственный манифест «О духовном в искусстве», где дал теоретическое обоснование новому стилю, в котором «решающее значение придается всегда не расчету, а чувству».
Казимир Малевич, «Черный крест», 1920.
Казимир Малевич занялся беспредметной живописью и придумал супрематизм, который он представил на двух футуристических выставках 1915 года в Петрограде: «Трамвай В» и «0,10». К ним он написал и собственный манифест «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм», а на последней впервые выставил и «Черный квадрат», символ конца живописи в общепринятом тогда понимании.
Александр Родченко и Владимир Маяковский, «Солнце дайте ночью!», 1923.
С «квадратом» первые контррельефы выставил Владимир Татлин, позже занявшийся конструированием знаменитой башни — памятника III Интернационалу.
Своей цветовой гармонией, названной лучизмом, увлекся Михаил Ларионов. Символы бесконечности — полосы — писала Ольга Розанова; Эль Лисицкий — проуны, а Александр Родченко — линейные конструкции.
И это лишь несколько главных имен, составивших гордость авангарда.
Владимир Татлин, «Натурщица», 1913.
ОТ РЕВОЛЮЦИИ К ЗАБВЕНИЮ
То, что сегодня в международном поле авангард связан с революцией, — всего лишь миф, который, по легенде, распространила советская власть на исходе своего существования в 1980-х.
Революционные по сути и исполнению идеи авангарда как нельзя лучше подходили новой концепции открытости миру во времена падения железного занавеса, и русский авангард в своей уникальности стал отличным «проводником» на Запад.
Михаил Ларионов, «Петух. (Лучистый этюд)», 1912.
То, что действительно занимало мысли художников того революционного времени, прекрасно проиллюстрировала прошлогодняя выставка «Некто. 1917» в Третьяковской галерее.
И ответ на этот вопрос оказался до банальности прост: все они интересовались лишь собственным творчеством без оглядки на свист пуль за окном.
Да, позже часть из них приветствовала советскую власть, обещавшую свободу, равенство и братство, равно как и власть поначалу давала этим художникам карт-бланш для создания имиджа нового государства — утопия авангарда на несколько лет была воплощена в жизнь. Ведь революционные реформы прошли на всех уровнях.
Казимир Малевич, «Портрет Матюшина», 1913.
Бывшая Академия художеств в Петербурге была переименована в Свободные мастерские. Художники выставлялись прямо на улице, а в семинарах мог принять участие любой прохожий.
Марк Шагал в Витебске в разгар Гражданской войны добился создания собственной школы, учителями в которую приехали работать Малевич и Лисицкий. Кандинский, Татлин, Родченко служили в отделе ИЗО Наркомпроса.
А первую годовщину революции оформил художник Натан Альтман, закрыв Эрмитаж кумачом и украсив Александрийский столп супрематическими формами.
Последняя футуристическая выставка картин «0,10», 1915.
Однако так же скоро очарование революцией сменила настороженность и растерянность. В 1921-м уехал в Берлин и больше не вернулся Кандинский, а за ним и Марк Шагал.
Еще через три года столицу покинула одна из «амазонок авангарда» Александра Экстер.
А в 1930-х «удушающая обстановка наступающего тоталитаризма», как описывал это время архитектор-конструктивист «Баухауса» Ханнес Мейер, приезжавший по приглашению СССР для возведения новых городов, стала и вовсе невыносимой.
Авангард, по мнению советской власти, отработал свой потенциал и в 1937 году был предан забвению: партии нужен был новый, понятный народу реализм, а не «кривляния взбалмошных бунтарей». Новая реформа тогда свернула все начинания авангардистов, их работы были спрятаны глубоко в запасники, а имена забыты до перестроечных времен.
«Супрематическая композиция» Малевича за $60 млн и «Картина с белыми линиями» Кандинского за $41,8 млн — аукционные рекорды недавних лет, принадлежащие аукционному дому Sotheby’s. А каждый востребованный на рынке художник, как известно, обязательно подделывается. И русский авангард — не исключение.
Владимир Маяковский, «Для голоса», конструктор книги — Эль Лисицкий, 1923.
Легендарный московский аукцион Sotheby’s 1988 года, на котором среди современных художников в числе топ-лотов были представлены и произведения авангардистов Родченко и Эль Лисицкого, открыл для русского искусства «окно в Европу».
И примерно в это перестроечное время свободы и падения железного занавеса из России на Запад хлынула первая волна фальшивок, усилившаяся во второй половине 1990-х и не останавливающаяся до сих пор. Жертвами подделок становились буквально все — от галеристов и аукционных домов до коллекционеров и музеев.
Среди громких международных дел — целые коллекции поддельных работ Ларионова и Экстер, выставлявшиеся во Франции и Швейцарии; поимка банды фальсификаторов Малевича и Кандинского в Германии в 2013 году; скандал с каталогом-резоне Натальи Гончаровой в 2011-м, где более половины картин оказались подделками. Наконец, самый свежий случай рубежа 2017–2018-х годов с крупным блоком сомнительных вещей авангардистов в музее Гента, стоивший кресла его директору Катрин де Зегер.
Марк Франц, «Фантастическое существо», 1912.
Источник: https://www.elledecoration.ru/heroes/design-history/kuda-privodyat-mechty-art-id6769551/
Русский авангард. Главные имена
Классический русский авангард – феноменальное явление начала прошлого века, охватившее все области искусства: от живописи и архитектуры до дизайна и книгопечатания. И откуда теперь черпают вдохновение современные мастера по всему миру, как не из русского авангарда?
В белом II, 1923 год
Только ли импрессионистский «Стог сена» Клода Моне заставил юриста Василия Кандинского заняться живописью профессионально? Вероятно, значение имела и вологодская экспедиция, во время которой он был поражён, оказавшись внутри крестьянской избы-картины, и произведённое мировой наукой открытие о делении атома, предполагающее «разборку» мира на неосязаемые частицы, и опера Вагнера «Лоэнгрин», во время которой Кандинский отчётливо увидел цвета звуков. Каковы бы ни были причины, экс-юрист вошёл в историю мирового искусства как теоретик русского абстракционизма, несмотря на то, что скончался гражданином Франции.
Черный квадрат, 1919 год
Иная метафизика цвета, отказ от буквального восприятия реальности, переход в «чистые» плоскости – теория супрематизма Малевича изначально не нашла понимания среди коллег-кубистов, но это не помешало ей стать мировой концепцией авангардного творчества.
«Чёрный квадрат» стал «нулём форм», позволяющим выйти «из круга вещей».
Кроме фундаментальных работ по теории супрематизма и признанных мировых шедевров авторству Малевича принадлежит, например, дизайн кружки с квадратной ручкой – очень неудобной, но весьма оригинальной.
Модель памятника III Интернационалу, 1919-1920 годы
Родоначальник русского конструктивизма являлся страстным оппонентом Малевича. По одной из баек, он якобы выбил из-под теоретика супрематизма стул и предложил сидеть на цвете и геометрии. Татлин выступал за связь искусства с жизнью, а его революционными идеями вдохновлялись немецкие дадаисты.
Башня Татлина хоть и осталась только проектом, но и сегодня считается одним из символов мирового авангарда. Конструкция железного монумента, включающая семь вращающихся по спиралям зданий различной формы, задумывалась как символ объединения людей, переставших понимать друг друга во время строительства Вавилонской башни.
У памятника Третьему интернационалу было и практическое назначение – в нём должны были трудиться члены Коминтерна.
Ударники, 1935 год
В попытке противостоять методу Малевича и «живописному анекдоту» Татлина в 1914 году Филонов со товарищи издаёт «Сделанные картины» – манифест аналитического искусства с основной идеей «упорного рисования каждого атома». В 1936-м лидера русского авангарда обвиняют в «формализме». Тогда же возникает «филоновщина» – символ непролетарского искусства.
Работы Филонова украшают лишь стены его скромного жилища, а сам он голодает, нерегулярно получая пенсию «научного сотрудника третьего разряда». Скончается Павел Николаевич в первые дни Ленинградской блокады на крыше дома при очередном дежурстве во время немецких авианалётов.
Его теории окажут значительное влияние на последующие поколения художников и литераторов.
СССР на стройке, плакат, 1929 год
Человек, который создал новый вид творчества в Стране Советов – дизайн –
и совместно с Малевичем разрабатывал основы супрематизма, вошёл в историю мировой архитектуры как автор горизонтальных небоскрёбов.
Когда Лазарь Мордухович (настоящее имя Эля Лисицкого) представил свой первый проект в СССР, его забраковали: построить такое невозможно. На трёх основательных опорах с шахтами лифтов базируются сами здания.
Позднее похожие конструкции были реализованы архитекторами в Нидерландах, Германии, Китае, Эквадоре. Воспользовались идеями Лисицкого и проектировщики московской школы управления «Сколково».
Рекламный плакат для Моссельпрома, 1923 год
Таланты родоначальника советской рекламы и одного из теоретиков конструктивизма не ограничивались исключительно живописью. Он работал в графике, скульптуре, фотографии, сценографии. В начале 1933 года в рамках секретной командировки выполнял фотосъёмку строительства Беломорканала.
Все дошедшие до наших дней работы мастера отличают необычные ракурсы. Он первым в СССР стал использовать фотомонтаж (коллажи-иллюстрации к поэме Маяковского «Про это»), и именно ему принадлежит известный рекламный плакат «Книги по всем отраслям знаний» с призывно кричащей Лилей Брик.
Плакат Академии социального воспитания, 1923 год
Варвара Фёдоровна являлась не только соавтором многих работ супруга Александра Родченко, но и работала самостоятельно, выставляя авангардные полотна под псевдонимом Варст. Широко известны её революционные работы в области текстильного дизайна для Первой ситценабивной фабрики.
Разделяя основные идеи конструктивизма и считая моду буржуазным явлением, она проектировала прозодежду – новую форму для трудящихся, которая должна быть функциональной, простой, эргономичной. Вместе с Любовью Поповой она разрабатывала новые принты для тканей. На смену цветочкам-лепесточкам пришли геометрические абстракции.
В советских магазинах текстиль а-ля Степанова отрывали с руками.
Эскиз костюма к драме И. Ф. Анненского «Фамира Кифаред». Менада. 1916
Совместно с Поповой и Степановой работала и одна из ключевых фигур популярного сегодня ар-деко Александра Экстер. Она стала автором многочисленных работ для театра.
Её костюмы для фантастического фильма 1924 года «Аэлита» были восторженно встречены в Венеции и Париже и позволили ей получить заказ на серию марионеток, идейное воплощение которых вдохновляло американский поп-арт 50-60-х годов.
Интересно, что Экстер входила в группу модельеров, разработавших форму для Красной армии – серую шинель и знаменитую будёновку.
Шуховская башня, 1919-1922 годы
По проектам выдающегося русского инженера и архитектора Владимира Шухова построено более двухсот башен по всему миру, в том числе и знаменитая телерадиовещательная башня на Шаболовке. Он разрабатывал технологии строительства для нефтяной промышленности, трубопроводов, мостостроения.
Идеи академика легли в основу авангардной архитектуры. В частности, он первым в мире использовал гиперболоидные формы и стальные оболочки из сетки в качестве несущей конструкции здания. Шуховские решения активно используются современными архитекторами хай-тека Фуллером и Фостером.
Проект здания Наркомтяжпрома, 1936 год
Наиболее известным проектом советских архитекторов-конструктивистов Александра, Виктора и Леонида Весниных считается проект московского Дворца культуры ЗИЛ. Для 1930-х годов предложенные архитекторами решения отличались смелостью и несомненным новаторством.
На 23 тысячах квадратных метрах разместились зрительные залы, обширные холлы, библиотека, зимний сад, а на крыше – обсерватория. Интересно, что для отдельных сцен стильного для своего времени «Чародеев» искать площадку для съёмок долго не пришлось – идеально подошли авангардные интерьеры, созданные Весниными.
Кроме этого, братья спроектировали большое количество оригинальных зданий, которые были построены по всей России.
Типография журнала «Огонек», 1930-1932 годы
В 1923 году в противовес конструктивистам и классическим архитектурным обществам рационалистами была создана Ассоциация новых архитекторов (АСНОВА).
Представители рационального направления русского авангарда проектировали функциональные и лаконичные здания строгих форм, огромное внимание уделяя психологическому восприятию объекта. Творческим лидером объединения стал Николай Ладовский.
В частности, он предложил застраивать Москву по параболе. По его проекту центральная ось российской столицы совпадала с Тверской улицей, а сам город, разрастаясь на северо-запад, со временем соединился бы с Петербургом.
В 1928 году один из учеников Ладовского Георгий Крутиков представил сенсационный проект парящего города-коммуны. Реализован он не был, в отличие от проекта Северного речного вокзала в Москве Владимира Кринского, ближайшего соратника Ладовского.
Ещё в 30-е годы Константин Мельников получил мировое признание как классик русского авангарда. Дом Мельникова в Кривоарбатском переулке стал культовым объектом мировой архитектуры. В Москве сохранилось с десяток зданий, спроектированных архитектором, которые соперничают между собой в оригинальности.
Дом культуры Русакова для служащих трамвайного депо венчает гигантская шестерёнка, выпирающая из фасада; центральный фасад клуба фабрики «Свобода» на Вятской выполнен в виде параллелепипеда. Главный вход в парк Горького также спроектирован Мельниковым.
Интересно, что его проект саркофага Ленину в виде кристалла комиссией во главе с Дзержинским был признан лучшим.
Лев, 1911 год
Одна из «амазонок авангарда» Наталья Гончарова стояла у истоков русского примитивизма. Первые же выставленные ею работы, изображавшие обнажённых натурщиц, были названы порнографическими, а поздние картины снимались с выставок по религиозным соображениям. Образы Гончаровой доступны и понятны.
На протяжении всей жизни она призывала «не следовать традиции, а жить в ней», черпая вдохновение в русском лубке и других видах народного творчества. В век расцвета индивидуализма она пропагандировала его неприятие.
Дружившая с Гончаровой Цветаева писала, что та работает «без катастроф»: «всегда, везде и всё».
Венера и Михаил, 1912 год
Имя Натальи Гончаровой неразрывно связано в истории русского авангарда с её супругом Михаилом Ларионовым. Он начинает как импрессионист, но в итоге приходит к примитивизму.
Возникновение русского абстракционизма принято связывать с полотном Ларионова «Стекло». К 1912 году он становится идейным вдохновителем и теоретиком нового направления беспредметного творчества – лучизма.
На протяжении почти 10 лет вместе с супругой будет работать над декорациями и костюмами для постановок «Русских сезонов» Дягилева в Париже.
Колокольня Ивана Великого, 1915 год
Талант классика русского авангарда называли жизнерадостным, темперамент – буйным, жизнелюбие – покоряющим. За необычный колорит полотен друзья в шутку называли Аристарха Васильевича Ярилой, а коллеги высоко ценили его смелые, порой отчаянные эксперименты.
Сану священника Лентулов предпочёл искусство – дерзкое, солнечное, низвергающее любые авторитеты и штампы.
В стремлении продемонстрировать превосходство русского таланта мастер любил повторять: «Мы – бунтовщики, а посему наш-то авангард покруче будет!»
Источник: https://russian7.ru/post/russkiy-avangard-glavnye-imena/
В авангарде русского искусства
Ксения ПОЗДНЯКОВА
11.05.2016
На севере Италии состоялся фестиваль «Русская весна на озере Гарда». Благодаря стараниям Дирекции международных программ городки Гарньяно, Чечина, Тиньяле и Сирмионе, жемчужинами обрамляющие живописные берега Гарды, получили возможность приобщиться к культуре нашей страны.
«Каждый день здесь представлена насыщенная программа, что свидетельствует о дружбе и сотрудничестве, которые существуют между Гарньяно и Россией. Надеюсь, эта неделя поможет взаимному проникновению двух культур и позволит нам лучше понять друг друга», — сказал на открытии форума мэр города Гарньяно Джованни Албини.
«Выбирать площадку для фестиваля в Италии очень сложно, потому что устроить смотр хочется буквально на каждом шагу.
Но в Гарньяно важно другое, хотя это и вправду восхитительное место, — здесь живут неравнодушные люди, которые очень тепло относятся к России.
Главная заслуга «Русской весны» в том, что жители и гости региона озера Гарда могут оценить богатство и разнообразие нашей культуры и насладиться ею», — подчеркнул Генеральный, консул Российской Федерации в Милане Александр Нуризаде.
Открылся фестиваль экспозицией художника и сценографа Анны Нежной «Портреты звезд Русского балета Сергея Дягилева — Ида Рубинштейн». Тема вернисажа выбрана не случайно, так как имя Рубинштейн ассоциируется с писателем Габриеле Д’Аннунцио, чья усадьба Витториале расположена недалеко от Гарньяно.
Как отметила автор выставки, идея пришла ей в голову еще в 2009 году, когда она впервые попала в эти края. «Я очень люблю Италию, но именно посещение озера Гарда, Гарньяно, музея Витториале натолкнуло меня на мысль показать здесь мои работы. Это место является настоящим перекрестком культур.
А ведь «Русские сезоны» объединили огромное количество талантливых людей и заложили идеи мультикультурализма.
В работе над реконструкцией дягилевских балетов (премьера состоялась в Мариинском театре в 1994 году) и переносом этих произведений под руководством Карлы Фраччи на сцену Оперы ди Рома, мне кажется, удалось создать проект, который связан не только с образами Сергея Дягилева и Иды Рубинштейн, но и с этим местом, музеем Витториале и личностью Габриеле Д’Аннунцио. Я очень благодарна Дирекции международных программ за то, что она предоставила уникальную возможность интегрироваться в итальянскую культурную жизнь и показать связь русских артистов, художников, продюсеров с местными мастерами», — рассказала художница «Культуре».
Меломанов, да и всех гостей фестиваля покорили выступления Камерного хора студентов и воспитанниц Санкт-Петербургской православной духовной академии под руководством Раисы Гундяевой и солистов Академии молодых певцов Мариинского театра Екатерины Латышевой и Тараса Присяжнюка.
Не менее бурных оваций удостоились артисты ансамбля детского народного танца «Луч солнца» из Республики Северная Осетия — Алания. Их концерты состоялись на центральных площадях Гарньяно, Сирмионе, а также в театре городка Тиньяле.
Зрители долго не хотели отпускать юных танцоров, скандируя «Браво!».
В заключительный день фестиваля, 11 мая, в Дворике Святого Франциска прошла выставка молодых художников по итогам работы передвижной академии искусств.
Ребята представили полотна, запечатлевшие не только лазоревую гладь озера Гарда, вдоль которого вместе с туристами прогуливаются важные утки, но и утопающие в зелени и цветущих апельсиновых деревьях окрестности с церквями, палаццо, крошечными магазинчиками…
Уютный, невероятно обаятельный мир подлинной Италии, столь милый русскому сердцу. И нет сомнений, что чувство это взаимное.
Татьяна ШУМОВА: «Наш фестиваль — плод усилий многих людей, которым не безразличен имидж России»
В разгар смотра «Культура» задала несколько вопросов руководителю Дирекции международных программ, заслуженному деятелю искусств РФ Татьяне Шумовой.
культура: Форум «Русская весна на озере Гарда» входит в цикл культурных миссий в Италии. Судя по всему, слово «миссия» выбрано не случайно. В чем Вы видите сверхзадачу мероприятия? 
Шумова: Главным для нас является тот положительный отклик, который возникает по отношению к нашей стране и гражданам России. Все это осуществляется через культуру, с помощью замечательных молодых музыкантов, художников, гостей фестиваля, которые приезжают и дарят свое искусство итальянским зрителям. И, конечно, подобное дружеское общение позволяет представить россиян в истинном свете.
культура: В Италии Вы проводите несколько фестивалей — их отличает регулярная основа, все становятся традиционными. Например, незадолго до Гарды прошел форум в Венеции. Италия — любовь особая? Шумова: Многие наши проекты живут десятилетиями.
Скажем, фестивалю молодой российской культуры в Италии — более двадцати лет, смотру в Венеции — одиннадцать. Кроме того, мы выступаем организаторами семи фестивалей российского кино, смотра в Бари, «Российской культурной миссии в Милане», форума «Россия — Италия. Сквозь века», который традиционно проходит в декабре в Риме.
Такое обилие проектов, конечно, не случайно. Мне кажется, мы очень похожи: у нас открытые души, горячие сердца, Россию и Италию объединяют восприимчивость, тяга к познанию других народов. И поэтому, несмотря на то, что были объявлены санкции, наши проекты не почувствовали на себе их влияния. Нас принимают с не меньшим радушием, чем раньше.
Я могу судить по тем областям, где мы работаем: их руководство всегда поддерживало Россию и выступало против каких-либо ограничений.
культура: Смотр на Гарде относительно молодой. Как зародилась эта идея? Шумова: Многие проекты возникают не только по нашему желанию, но и по заявкам итальянской стороны.
Будучи гостями «Российской культурной миссии в Венеции», мэр города Гарньяно господин Албини и асессор по культуре господин Скарпетто выступили с инициативой стать первыми учредителями русского фестиваля на озере Гарда.
культура: По какому принципу выстраивалась программа нынешнего форума? Шумова: Где бы ни проходили наши мероприятия, главным критерием для нас является разножанровость, поэтому всегда работает выставка, действует передвижная академия искусств — в этом году участниками стали студенты художественного факультета ВГИКа. Затем, конечно, музыка. Если, например, в 2015-м мы открывались симфоническим оркестром, то в этом решили привезти Камерный хор студентов и воспитанниц Санкт-Петербургской православной духовной академии. Теперь уже могу сказать, что все прошло успешно. Не последнюю роль сыграло участие молодых солистов Мариинского театра. И, конечно, наши итальянские коллеги хотят видеть танцевальные коллективы. В прошлом году мы представляли российский центр, а в этом Северная Осетия — Алания подарила выступление молодежного ансамбля «Луч солнца». Наша задача — показать, что Россия многонациональна, многообразна и невероятно богата талантами.
культура: В условиях экономического кризиса как удается организовывать столь масштабные программы? Шумова: Ни для кого не секрет, что бюджетное финансирование сократилось, но тем не менее Министерство культуры не оставило наш проект.
Очень большой вклад вносят коллеги из Гарньяно и других городов, вовлеченных в этот фестиваль. Часть расходов по проживанию, питанию артистов, по обеспечению концертных площадок берет на себя принимающая сторона, что значительно облегчает нашу работу. Само собой, есть помощники, спонсоры и благотворители.
Наш фестиваль — плод усилий многих людей, которым небезразличен имидж России.
культура: Вы работаете практически без пауз. Завершаете «Русскую весну на озере Гарда» и сразу отправляетесь в Бари — на «Летний сад искусств».
Как он возник? Шумова: Фестиваль российского искусства в Бари состоит из двух частей: проходящего в мае «Летнего сада искусств» и декабрьского смотра апулийской культуры в Москве, который стартует в день Николы зимнего. Форуму в этом году исполняется десять лет.
С самого начала фестиваль задумывался не только как демонстрация российского искусства, но и как чествование Николая Чудотворца. Кульминацией всегда является божественная литургия в базилике Святителя Николая.
культура: Как это повлияло на формирование программы? Шумова: Мы первоначально определили обязательным участие хорового коллектива. Уже выступали хоры Сретенского и Данилова монастырей. За десять лет было представлено много епархий, знаменитых коллективов.
В этом году на фестиваль направляется хор Московской епархии, который включает в себя и студентов Коломенской семинарии, а также настоятелей храмов Московской области. Естественно, тематика выставок тоже связана с религиозными программами.
Я имею в виду те из них, что проводятся в портике пилигримов, выставочной площадке фестиваля, находящейся напротив базилики. Как правило, у нас проходят две экспозиции, вторая программа открывается в университете города Бари. На сей раз она посвящена Году российского кино.
Также в университете пройдут кинопоказы, приедет гендиректор Киностудии имени Горького Сергей Зернов.
культура: В рамках фестиваля будет подписано соглашение между барийской консерваторией и училищем при Московской консерватории. Каковы его цели? Шумова: У нас есть уже подобный опыт в Германии, во Франции.
Надо сказать, такие двусторонние отношения со временем начинают жить своей жизнью: преподаватели ездят друг к другу, осуществляется студенческий обмен, устраиваются совместные концертные программы.
И нам очень приятно, что мы даем посыл творчеству молодых музыкантов.
культура: Города мира, куда Вы привозите образцы российского искусства, искренне ценят фестивальные встречи. Кто главные зрители в Бари? Местные жители или паломники? Шумова: Бари — крупный город Италии.
Много интеллигентной публики как среди местных жителей, работников и студентов университета, так и среди туристов. Паломники тоже приходят к нам, правда, в основном на службу и церковные выставки.
Для них бальзам на душу — красота литургии в исполнении наших замечательных хоровых коллективов.
культура: После Бари Вас ждет небольшая передышка или сразу же начнется подготовка к следующим мероприятиям? Шумова: На 12 мая, как раз в перерыве между «Русской весной на озере Гарда» и «Летним садом искусств» в Бари, запланировано открытие выставки, посвященной нашему проекту передвижной академии искусств, в Государственном музее современной истории России. Посетители смогут увидеть полотна молодых художников, созданные в живописных местах России и Италии, а также произведения скульпторов, которые каждый год выезжают работать в город Пьетрасанта, где Микеланджело отбирал и приобретал мрамор для своих творений.
А в июне начинается фестивальный проект под названием «Молодая российская культура в Италии». Открываем его всегда на римской вилле Абамелек в День России.
Источник: https://portal-kultura.ru/articles/festival/134467-v-avangarde-russkogo-iskusstva/?print=Y&CODE=134467-v-avangarde-russkogo-iskusstva
Роль русского авангарда в развитии мирового искусства XX века
22 августа 2016г.
Авангардизм как концептуальное направление в искусстве и культуре Западной Европы, возник в конце 19 начале 20 веков. Принято считать, что наиболее активный период развития авангарда в живописи, литературе, музыке, театре, кино и архитектуре приходится на 1870 – 1938 года.
Появившиеся в конце 19 века работы немецких философов призывали к пересмотру устоявшихся в западной культуре философских, эстетических и культурных концепций и к появлению новых форм самовыражения в различных сферах искусства.
Особенно большую роль на этот процесс оказала и работы Фридриха Ницше и Освальда Шпенглера, в которых ставились под сомнение традиционные ценности буржуазного мира Западной Европы и переосмысливалось предназначение человека и культуры.
Русский авангардизм
В русской художественной культуре начала 20 века появление авангардизма повлекло за собой создание разнообразных школ в изобразительном, музыкальном, театральном искусстве и в архитектуре.
Русский авангардизм начала 20 века представлял из себя объединение представителей левых идей. Основные центры русского авангардизма сформировались в Петербурге и в Москве, считавшимися культурными центрами Российской империи.
В Санкт-Петербурге в 1909 – 1917 году существовал «Союз молодежи», а в Москве авангардные течения объединило общество «Бубновый валет», просуществовавшее с 1910 по 1916 гг. Из этих объединений вышли многие основатели будущих российских мировых направлений в искусстве. Братья В. и Д.
Бурлюки, создававшие новые концепции в литературе, Каземир Малевич, открывший целое направление в изобразительном искусстве своим «Черным квадратом». В музыке новые направления авангардного типа предлагали А.Скрябин, И. Стравинский и Д. Шестакович.
Авангардисты декларировали новую эстетику, которая, по их мнению боле соответствовала появлению нового мира и нового человека.
Революция 1917 года в большой степени оказала влияние на авангардистов в России, создавших особое течение в искусстве – кубофутуризм, объединивший в себе художников и поэтов, среди которых стоит назвать В.Хдебникова, В. Маяковского, А .Крученых, В. Кандинского.
М. Шагала, П. Филонова. Они ожидали рождение нового мира и отобразили это с помощью свойственных им художественных инструментов.
Велемир Хлебников в своих стихах возвещал о грядущем новом космическом сознании и грезил о переустройстве мира, которое он начал с создания нового литературного языка в поэзии.
Определенным манифестом новой живописи стала работа В. Кандинского «О духовности в искусстве», в которой предлагался поиск новых вечных форм в живописи в искусстве целом. Он призывал с созданию новых видов искусства через объединение музыки, литературы, живописи.
Такое синтетическое искусство по его мнению должно было стать символом создания нового мира и новой духовности.
В творчестве самого Кандинского основной темой его картин стала тема Христа, олицетворявшего возвещение прихода новых этических и эстетических ценностей на смену прогнившей западной предметности и реализму.
Одним из ярких живописцев этого направления стал М. Шагал, который объединил в своем творчестве идеи экспрессионизма, кубизм, сюрреализм и футуризм. Его картины необыкновенно ярки и порою граничат с абсурдом.
Петр Филонов предлагал идеи аналитического искусства, позволявшие использовать в изобразительном искусстве органичные формы, которые плавно перетекали бы друг в друга.
В целом движение русского авангардизма оказало большое влияние на европейскую и мировую художественную культуру. Идеи авангардизма помогли созданию нового стиля в архитектуре, который начал формироваться также в России.
Среди наиболее известных архитекторов можно назвать А. Веснина, Ладовского, А.
Родченко и ряд других архитекторов, которые стали основателями индустриального стиля, создателями новой профессии дизайнера и привели к настоящей революции в строительстве жилых, общественных и промышленных помещений.
Также стоит назвать авангардистов в театральном искусстве и кинематографии, оказавшими огромное влияние на последующее развитие мирового театра и кино. В. Мейерхольд и А.
Таиров использовали в постановке своих спектаклей декорации и костюмы, выполненные художниками авангардистами.
Они стояли за синтез разных видов искусства в театре и активно предлагали зрителю новый изобразительный язык сценического искусства.
В кинематографии прорывом стал фильм Эйзиншейна «Броненосец Потемкин», который на многие годы вперед определил направление мирового искусства кино, которое тогда само по себе являлось авангардом.
- Игорь Головин
Источник: https://nrtv.ru/article/iskusstvo/Rol-russkogo-avangarda-v-razvitii-mirovogo-iskusstva-XX-veka
Русский авангард. Восторг будущего
Организаторы:
- национальный музей Дворца изящных искусств, Мехико / Palacio de Bellas Artes
При участии:
22 октября 2015—31 января 2016
В Национальном музее Дворца изящных искусств в Мехико сегодня открывается уникальная выставка русских художников-авангардистов. Выставка посвящена 125-летию установления дипломатических отношений между Мексикой и Россией. На экспозиции можно увидеть около 600 произведений знаменитых представителей русского авангарда Натальи Гончаровой, Александра Родченко, Владимира Татлина и многих других мастеров из собраний 27 крупнейших российских и зарубежных музеев и культурных организаций, в числе которых Государственный Эрмитаж, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Русский музей, Мультимедиа Арт Музей, Музей архитектуры имени Щусева, Российская национальная библиотека, Государственный музейно-выставочный центр РОСИЗО. Русский музей представлен на выставке 19 произведениями живописи и декоративно-прикладного искусства. Среди них подлинные шедевры авангарда: «Супрематизм» (1928-1929) и «Портрет Н.Н. Пунина» (1933) Казимира Малевича, «Формула весны» (1927-1929) Павла Филонова, произведения Николая Суетина, Виктора Пальмова, Константина Медунецкого. «Выставка такого масштаба впервые проводится в Мексике, она получилась действительно впечатляющая, здесь более 600 произведений, — рассказал российским журналистам директор Русского музея Владимир Гусев. – Мексиканская сторона занималась организацией выставки, мы старались дать им максимум свободы. Они работали самостоятельно, с большим интересом и желанием. Это будет их взгляд на наше искусство, и это как раз очень интересно». Как отметил посол РФ в Мексике Эдуард Малаян, масштаб выставки и то, что «главный зал страны предоставляется произведениям искусства из России, и это все совпадает с юбилеем наших отношений, свидетельствует о неподдельном интересе мексиканцев к нашей стране». Директор музея Дворца изящных искусств Мигель Фернандес Феликс в интервью ТАСС отметил, что открытие столь крупной выставки «имеет большое значение для Мексики, и напоминает о наших связях в сфере искусства». «В начале 1930-х годов Сергей Эйзенштейн снимал в нашей стране свой фильм «Да здравствует Мексика!», к нам приезжал великий поэт Владимир Маяковский, который общался здесь с Диего Риверой», — напомнил он. «С открытия музея Дворца изящных искусств* в 1934 году это первая выставка, посвященная периоду, имеющему столь большое значение для искусства XX века, — подчеркнул Фернандес Феликс. – Для нас огромная честь видеть здесь произведения таких творцов, как Татлин, Малевич, Родченко, Гончарова, Степанова. Это стало возможным, прежде всего, благодаря помощи «Росизо».
Русский музей рекомендует
Шедевры коллекции
Сборник шедевров, отобранный искусствоведами Русского музея, позволит вам составить первое впечатление о коллекции Русского музея.
Начать просмотр
Портал КУЛЬТУРА.РФ
Гуманитарный просветительский проект, посвященный культуре России. Рассказывает о событиях и людях в истории литературы, архитектуры, музыки, кино, театра, а также о народных традициях и памятниках природы.
Перейти на сайт
Мобильные приложения
Источник: http://www.rusmuseum.ru/exhibitions/russian-avant-garde-delight-of-the-future/
Русский авангард: с чего все началось?
Статьи
Линия УМК Г. И. Даниловой. Искусство (10-11) (баз.)
Линия УМК Атласы и контурные карты. История России (6-10)
Линия УМК И. Л. Андреева, О. В. Волобуева. История (6-10)
Линия УМК В. С. Мясникова. Всеобщая история (5-9)
Линия УМК Р. Ш. Ганелина. История России (6-10)
Почему в начале прошлого века на смену изысканному модерну пришел категоричный авангард? О том, как авангардисты сняли искусство с заоблачного пьедестала и погрузили человека в технократическую реальность, рассказывает историк визуальной культуры, профессор НИУ ВШЭ Ян Левченко.
13 декабря 2017
Дословно авангард – это передовой отряд, «шагающие впереди». Этот военный термин впервые был использован применительно к искусству в середине XIX века, когда последователь социалиста Фурье по имени Габриэль Дезире Лавердан в первый раз использовал его в своем трактате об искусстве и художниках.
Русские авангардисты сами себя так не называли.
Они предпочитали называть себя кубофутуристами, супрематистами, лучистами, абстракционистами, позднее – функционалистами и конструктивистами, но под общим именем все эти художники не объединялись.
Термин «русский авангард» возник в Европе в середине XX века, когда в России мало кто мог увидеть работы авангардистов, кроме оставшихся на улицах больших городов архитектурных сооружений 1920-х годов.
С чего началось искусство авангарда?
Говоря об авангарде, нужно начинать с модернистской концепции чистого искусства. Обратим внимание на такой его признак, как биоморфизм в дизайне и архитектуре: узоры и орнаменты, подсмотренные в живой природе и скопированные в архитектуре, мебели, графике и т. д.
Можно вспомнить художественную ковку Эктора Гимара, которой декорированы входные павильоны парижского метро.
В России все это было успешно заимствовано: те же плавные линии и орнаменты можно заметить, например, в таких памятниках архитектуры, как бывший особняк Рябушинского на Малой Никитской, дом Дерожинской в Кропоткинском переулке, и других московских особняках.
Интерьер особняка Рябушинского – образец модерна
Так вот, под властью этого течения и сам человек уподобляется цветам, орнаментам; стирается граница между человеком и природой.
Сама идея гуманизма трактуется как слияние с природой: человек как бы растворяется в цветах и плавных линиях, становится частью космического процесса.
То есть для модерна искусство – своеобразная прекрасная резервация, куда следует отправить человека, чтобы он наслаждался безупречной красотой. Золотая мечта скучающей и демонстративно бездельничающей богемы.
Авангардисты, наоборот, пытаются вернуть человека в лоно цивилизации. Они заявляют: нет никакого пути назад, история не повторяется, в этом мире возможно движение только вперед.
Авангард функционален, он мыслит формой и конструкцией, исходит из превосходства чистой предметности и стремится проникнуть в суть вещей.
Для авангарда искусство – никакое не «зеркало души», а поиск совершенной технологии: чем совершеннее технология, тем быстрее жизнь, тем эффективнее работа, тем больше мы успеем.
Клуб Русакова – пример архитектуры советского авангарда
Советский авангард самого раннего «созыва» – это своеобразная попытка создать и осмыслить искусство в производстве. То есть здесь и была заложена основа дизайна повседневности: понятного, удобного, ясного, по-своему красивого, хотя термин «красивый» для искусства именно тогда стал звучать как издевка.
Читайте в следующих материалах:
- Что сблизило авангардизм и коммунизм?
- Архитектура сталинского ампира
- Театр авангарда: за какие идеи погиб Мейерхольд
- Почему мы не любим авангард?
Источник: https://rosuchebnik.ru/material/russkiy-avangard-v-zhivopisi/
Русский авангард в арьергарде
7 февраля гостем клуба «Креативный класс» на отделении культурологии ВШЭ стал историк архитектуры, публицист Владимир Паперный.
Поводом для разговора с Владимиром Паперным, одним из крупнейших исследователей советской архитектуры, русского авангарда и стилистики соцреализма, автором культовой монографии «Культура Два», впервые изданной еще в 1985 году, стала презентация его нового фильма «Казимир Малевич. Русский авангард и современная архитектура».
Живущий в Калифорнии Владимир Паперный внес таким образом свою лепту в попытку убедить новые московские власти в том, что «история и памятники авангарда могут быть брендом Москвы».
Во всяком случае, именно так охарактеризовала ведомую ими среди чиновников и предпринимателей «разъяснительную» работу соавтор фильма, координатор общественного движения «Архнадзор» Марина Хрусталева.
О том, что разъяснять и объяснять придется еще очень долго, свидетельствует хотя бы драматическая история с установкой памятного знака на месте захоронения Казимира Малевича.
Его могила была утеряна, долгое время известно было только, что он похоронен где-то в подмосковной Немчиновке.
Лишь совсем недавно группе исследователей удалось установить более точное место захоронения художника — там уже начали возводить очередной элитный поселок, и над могилой Малевича теперь расположен внутренний двор одного из строящихся домов.
Картины выдающихся русских авангардистов вдохновили целое поколение ведущих мировых архитекторов.
Представленный на встрече фильм и повествует о том, как живопись, графика, чертежи Малевича и Любови Поповой, Ивана Леонидова и Эля Лисицкого, Александра Родченко и Якова Чернихова, Владимира Татлина и Константина Мельникова были воплощены в архитектурные формы Захой Хадид, Фрэнком Гери, Стивеном Холлом, Томасом Лизером, Томом Майном, Ричардом Мейером, Вольфом Приксом и Ремом Колхасом. Впрочем, точнее было бы назвать эту работу не фильмом, а «видеоколлажем, к которому для развлечения была добавлена музыка Баха в исполнении французского джазмена».
Наследие русского авангарда вызывает удивительно противоречивый отклик в умах и сердцах российского населения, интеллигенции и даже специалистов-культурологов.
Но если картины авангардистов всегда в цене, хотя бы потому, что их как движимое имущество можно продать коллекционерам за рубежом, то «недвижимость», то есть конструктивистские здания, зачастую не воспринимаются как произведения искусства.
А впрочем, могло ли быть по-другому? Авангард было встал на службу коммунистической политике (вольно или невольно — вопрос сложный, и дискуссии по этому поводу разгорелись и на данном семинаре), но первым же пал ее жертвой в угоду соцреализму.
Дискредитировавшая себя коммунистическая идеология еще раньше дискредитировала идеологию авангарда — максимум эффективности при минимуме средств.
И хотя сегодня, по мнению Владимира Паперного, от авангарда остался только стиль, даже он враждебно воспринимается большинством наших соотечественников.
Конструктивистская архитектура никогда не стремилась быть «красивой» — ни к чему в простых по своему наполнению домах-коммунах, строившихся из самых дешевых материалов, капители, фронтоны и барочные «рюшечки».
«Большая часть сооружений проектировалась под железобетон, но построить их в то время из железобетона было невозможно, поскольку не было ни железа, ни цемента, — отметил Владимир Паперный. — Они строились из кирпича, частично из дерева, декорировались штукатуркой под железобетон.
Технологии были настолько низкого уровня, что сейчас все эти здания в ужасном состоянии и требуют капитального ремонта».
Марина Хрусталева, в свою очередь, уверена, что при надлежащем уходе, конструктивистские памятники легко могут быть включены обратно в городскую среду. «Дома-коммуны и студенческие общежития двадцатых годов — это идеальные арт-отели, хостелы, где есть маленькие жилые ячейки и большое общее пространство, — полагает она. — А фабрики-кухни вполне могут работать как рестораны».
«Отбросив идеологию, авангард стал реализуемым на практике, но сами авангардисты восприняли бы эту трансформацию как пошлость», — заметил на это профессор кафедры наук о культуре Ян Левченко.
А заведующий отделением культурологии ВШЭ Виталий Куренной предложил задуматься над тем, «насколько важно для идеологии авангарда и конструктивизма понятие ауры».
Не входит ли идея консервации и охранения памятников конструктивизма в противоречие с ним?
«Мы, конечно, совершаем насилие над их идеологией, — согласился Владимир Паперный, — но это насилие того же рода, что и помещение иконы в музей. Мы в таком случае решаем, что для общества важнее художественная ценность данного объекта. Я думаю, что Гинзбург, если бы его спросили об этом, ответил бы: сломайте и постройте новое здание из хороших современных материалов».
И все-таки усилия архитектурных активистов и искусствоведов по «реабилитации» конструктивизма не будут в полной мере эффективными без поддержки общества. Значит, эстетике этого художественного направления нужно учить. «Я могу рассказать про свой собственный опыт, — продолжил Владимир Паперный.
— Когда я первый раз попал в конструктивистское здание в возрасте семи или восьми лет, я был в ужасе. Потому что я вырос в сталинской архитектуре, которая мне казалась сказочной, праздничной, «хорошей». А здесь я увидел что-то холодное, чужое и пугающее.
Но первое отторжение прошло, и я научился воспринимать красоту этих простых форм и линий».
Впрочем, такое обучение должно быть деликатным и не привести к другой крайности. «Замечательный джазовый трубач и пианист Герман Лукьянов еще в конце шестидесятых годов говорил, что он очень боится, что джаз будет объявлен главной музыкой Советского Союза — тогда джаз пропадет.
Так вот есть такая же опасность превращения авангарда в официальное искусство страны, — считает Владимир Паперный. — Авангард, объявленный национальным достоянием, будет развернут во всех жэках, милициях и так далее. Это будет катастрофа.
Мне кажется, что угнетенное, трагическое существование русского авангарда лучше для сохранения его чистоты и духовного замысла, чем если он будет облеплен гербами и грамотами».
Олег Серегин, Новостная служба портала ВШЭ
Источник: https://www.hse.ru/news/communication/47986528.html
Загрузка...
